CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD

Tal como se expresa en sus lineamientos generales, el proyecto “Cultura Itinerante, el Museo Genaro Pérez recorre la ciudad” propone profundizar las iniciativas de apertura de los Museos hacia la comunidad. En el marco de una alianza estratégica entre la Subsecretaria de Cultura de la Municipalidad de Córdoba y TAMSE, se diseñaron un conjunto de muestras itinerantes a partir de obras pertenecientes a la colección pública del Museo Genaro Pérez, plasmadas en soportes no tradicionales y ubicadas en las unidades de transporte urbano que circulan por la Ciudad.
En efecto, esta serie de acciones van en línea con una de las principales directrices de la gestión municipal, la de democratizar los bienes culturales. Es en pos de esta democratización que se impone reivindicar el trabajo y las biografías de las mujeres artistas de Córdoba y Argentina, cuyas obras integran dicha colección en un porcentaje sensiblemente minoritario.
La iniciativa prevé visibilizar y revalorizar las obras producidas por artistas mujeres y al mismo tiempo realizar un aporte, a través de una serie de textos de libre acceso, al replanteo del ordenamiento patriarcal al que han sido sometidas estas autoras en los relatos hegemónicos de la historia del arte local.

ARTISTAS: Beatriz Brangi / Adriana Bustos / Rosa Malvina Ferreyra De Roca / Sarah Grilo / Manuela Alles Monasterio / Dignora Pastorello de Larco /
Ana Payró / Mariquita Quiroga / Mariana Robles / Julia Romano /
Moira Wieland / Graciela Yofre Brizuela

MUNICIPALIDAD DE CORDOBA
Secretaria de Gobierno

Responsables:
Subsecretaría de Cultura – Subsecretario Federico Racca
TAMSE – Pte. Marcelo Rodio

Diseño de proyecto:
Julia Oliva Cuneo – Directora General de Cultura
Fabiana Pérez – Subdirectora Cultura Viva

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | BEATRIZ BRANGI

Artista: Beatriz Brangi
Obra: Penumbras
Año: 1959
Técnica: Oleo
Medidas: 0,60 x o,70

Memoria Descriptiva

Creo que en 1959 ingresaba a un mundo en que lo material era distinto: influencias del Cubismo en el Arte. En esta obra esta lo que me atraía: lo Nuevo. Pero faltaba Expresarme.
Por lo tanto, pienso que lo atrayente está en el manejo de las luces y sombras que separan los contrastes de color.
En la imagen está el comienzo de la búsqueda de personalidad a través de materia y sueños.
Tierras y grises, luces y sombras- la Materia juega – Hoy me enfrento al Pasado. Sus enseñanzas y remilgos –
Pero lo aprendido y cosechado me encuentra al final del camino libre con mi Arte.
Dueña de las nuevas imágenes.

Pensamiento de Artista

Somos parte de un destino.
En el largo transito de la vida, el Arte ha sido el salvoconducto para situarme en el límite de ese inquietante mundo alegórico que inconscientemente buscamos.
Pinto un cuadro, y aunque no sea bueno ejerce una fascinación especial sobre mi alma: porque un cuadro no existe con motivo de determinada cosa, sino por sus sino por sus cualidades pictóricas, por la vivencia que transmite.
La técnica es el medio, el elemento; la imagen es la persona que se vale de esos decálogos secretos para hacer legibles los fantasmas de su propia existencia.
Y, al encarar la música como imagen inconcientemente creada, busco darle un sentido a lo que VEO de ella.
Como dijo Antonio Gala: ¨Toda música cesa para abrir sitio a la música callada”.

Breve biografía del artista

Beatriz Brangi: Egresada de la Escuela de Artes Figueroa Alcorta con el Título de Profesora de Dibujo y Pintura. Realizó más de 30 Exposiciones individuales y mas de 80 Exposiciones Colectivas.
Ha recibido diversos Premios: entre ellos el Premio Internacionale D´Arte David De Michelangelo, 2010. Brindisi, Italia. Primer Premio Pintura Ix Salón Apa, 1976. Luego diversos Salones en distintos sectores. Ha expuesto en diversas ciudades de Argentina Alumna de Cerrito. José de Monte, Farina, Terzaga. Obras en colecciones Privadas de Argentina, Italia y España etc. Vive y trabaja en Ciudad de Córdoba, Argentina.

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | ADRIANA BUSTOS

Artista: Adriana Bustos
Obra: Muñeca en un cerrito
Técnica: Fotografía color (Analógica)
Medidas: 0,70 x 0,70 cm

Proyecto 4 x 4

Surge en 2003 como resultado de una de las peores crisis económicas de la Argentina. En Córdoba, como en otras ciudades del país, significó la aparición abrumadora de subempleos y trabajos precarios, como es la recolección y venta de papeles y cartones, realizada por “cartoneros” sobre carros tirados por caballos.
“Ejemplares” forma parte de este proyecto, son caballos cartoneros que posan delante de un fondo que pinté, en un intento utópico de regresarlos al “campo”, reproduciendo obras de un pintor cordobés popular de principios del siglo XX, Egidio Cerrito, quien supo reflejar su medio respondiendo a la demanda de la pintura en las casas de familia de una clase media de la década del 80.

Statement

Creo que el arte produce un modo singular de conocimiento, por tanto la investigación, la revisión de la historia en términos no lineales y su articulación con el presente son el substrato de mi obra. La fotografía, el video, el dibujo, la pintura y performance son herramientas que utilizo para pronunciarme al respecto de temas políticos y sociales a modo de proyectos que van desarrollándose y vinculándose unos a otros. Las estrategias de la antropología, la yuxtaposición, el montaje de imágenes, la historia, la ciencia, la cultura popular, la ficción, las citas biográficas, lo académico, lo intuitivo, lo fragmentario, el relato, la dimensión objetiva y subjetiva son algunos de los dispositivos de los que me valgo para construir un entramado de asociaciones nuevas.

Breve biografía de la artista

Bahía Blanca 1965, actualmente vive en Buenos Aires . Estudió Arte y Psicología en la Universidad de Córdoba. Realizó residencias en Buenos Aires , Reino Unido, Saigón, Berlín y Colombia. Sus muestras individuales más recientes en:  Frieze New York, Museo del Barrio, 2020; Fundación Klemm, 2019; Galería Nora Fisch, 2018; MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) España, 2017; Galería Bacelos, Madrid, 2016. Dakha Art Summit, Bangladesh, 2020; Cosmólpolis 2, Centro de Arte George Pompidou, Paris 2019. “14 Bienal de Sharjah” 2019, UEA; en la “Bienal de Montevideo” en 2019 y 2014; “Site Santa Fé”, USA; “XI Bienal de Estambúl”, “Bienal de Medellín”; “Bienal del Fin del Mundo”, 2009; “V Bienal de Mercosur”, Brasil y “Bienal de Rennes”, Francia.
Distinciones : primer premio Federico Klemm; primer premio Chandon, primer premio fotografía Fundación OSDE, segundo Premio Chandon, mención Chandon, mención Fundación Andreani, tercer premio Benito Roggio.

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | ROSA MALVINA FERREYRA DE ROCA

Artista: Rosa Malvina Ferreyra De Roca
Obra: Cosmos
Técnica: Oleo
Medidas: 0,80 x 0,80

Lectura de la obra “Cosmos” de Rosa Malvina Ferreyra de Roca
Por: Lic. Mariana del Val

Una biografía se puede contar en pocas palabras, pequeñas piezas que se unen y forman un gran cuadro completo, que muestra el color de una vida. De Rosa Malvina podemos decir que vino a al mundo en 1905, aquí en Córdoba; que fue hija del Dr. Martín Ferreyra y doña Mercedes Navarro Ocampo; que para 1916 su familia terminó de construir la vivienda familiar,  lo que hoy conocemos como el Museo Evita- Palacio Ferreyra y que ellos llamaban La casa Grande. La familia compuesta por siete hijos se mudó a esa lujosa casa de 5145 metros cuadrados, rodeada por un jardín diseñado por el arquitecto Thays, quien diseñaría también el parque Sarmiento. 
La formación artística de Rosa Malvina se completó como discípula de Emiliano Gómez Clara y en el taller de Paul Albert Laurens en la Academia Julien de Paris. Luego,  contrajo matrimonio  con Jaime Roca, hermano de Deodoro Roca, conocido por impulsar la Reforma Universitaria.
En su formación, esta artista tuvo estrecho contacto con el impresionismo y el post impresionismo y sus temáticas abordaban todos los géneros de la época. Su notoria rebeldía y su convivencia con los sectores más progresistas del momento, se manifestó por ejemplo,  en una serie de pinturas de desnudos, que denotaba su postura crítica y para nada conservadora, sobre todo, para una mujer de su tiempo.
Para ejemplificar cómo era su espíritu, la conocida anécdota a cerca de una prohibición que le hicieron a su amigo Ernesto Soneira: en 1940 el artista había sido censurado por  una pintura con desnudos. Entonces Rosa Malvina, Deodoro Roca y algunos artistas vistieron las estatuas del parque Sarmiento con camisones y ropa interior, señalando con humor e intransigencia, el conservadurismo cordobés. Así amaneció la ciudad, con sus estatuas vestidas, encabezando los titulares de los periódicos de la ciudad.

Mariana del Val es directora del Museo Evita – Palacio Ferreyra.

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | SARAH GRILO

Artista: Sarah Grilo
Obra: Pintura

Lectura de la obra “Pintura” de SARAH GRILO
Por: Florencia Magaril

Sarah Grilo forma parte del mínimo 12,4% de mujeres que integran la colección del museo de arte Genaro Pérez de nuestra ciudad. Este porcentaje visibiliza la notable diferencia cuantitativa de representación que tienen las mujeres en el mundo y la historia del arte, no sólo como parte de las colecciones sino también en galerías y cargos directivos. Esta situación fue señalada en la la exposición “Lo que se hace por amor” (2018) curada por Eugenia González Mussano en dicho museo.
Sarah Grilo nació en 1919 en Buenos Aires, y fue una artista clave en el arte abstracto iberoamericano de posguerra. En 1952 formó el Grupo de Artistas Modernos junto a Tomás Maldonado, Enio Iommi, José Antonio Fernández Muro, Lidy Prati, entre otros. Vivió en Francia e Inglaterra y tras obtener la beca Guggenheim en 1962, se mudó a Nueva York. En 1970 se trasladó a España, donde vivió hasta su muerte en 2007. En sus pinturas, Grilo mixturaba elementos del expresionismo abstracto con otros símbolos más cercanos al arte urbano, creando un estilo de pintura innovador y moderno que anticipó al “street art” de artistas del graffiti como Jean-Michel Basquiat. Su obra forma parte de numerosos museos, instituciones y colecciones privadas de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.
Tal como menciona la curadora Andrea Giunta en su libro “Feminismo y Arte Latinoamericano” hasta comienzos de los años 90 era casi inexistente la biografía sobre artistas mujeres en la Argentina. Eso explica la dificultad para investigar sobre las pocas artistas mujeres que integran las colecciones de los museos. Si bien hay señales de transformación en proceso, resulta importante preguntarnos, siguiendo a Maura Reilly (curadora e investigadora): “¿qué podemos hacer para promover una representación justa y con mayor conciencia en el mundo del arte? ¿cómo podemos lograr que quienes participan del mundo del arte reconozcan, acepten y sean conscientes de que sí hay desigualdad entre los sexos? ¿Cómo podemos educar a los incrédulos que afirman que, porque hay señales de mejora, la batalla ha sido ganada?”.

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | MANUELA ALLES MONASTERIO

Artista: Manuela Alles Monasterio
Obra: Esquina
Año: 1944
Técnica: Oleo
Medidas: 0,80 x 0,70

Lectura de la obra “Esquina” de Monasterio Alles Manuela
Por: Florencia Ferreyra

Esta pintura al óleo se aprecia “a golpe de ojo” por la equilibrada composición, la atención a los efectos lumínicos (resuelta con amplias pero precisas y texturizadas manchas de color) y una cuidada perspectiva cuyo ángulo de visión (ubicado en lo alto y en una esquina) permite representar un fragmento de alguna ciudad argentina–presumiblemente Córdoba- que perduraba frente a los importantes cambios urbanísticos que se habrían acelerado desde comienzos del siglo XX, especialmente en la década del 30. La escena, bajo una luz de mediodía, muestra el final de la media jornada de unos trabajadores cuyos elementos testimonian la convivencia de tecnologías coloniales (como el carro tirado a caballos y el triciclo) junto al vehículo utilitario automotor. La construcción baja y de aspecto colonial de la esquina, las fachadas de estilo italianizante (huella de la importante inmigración del siglo anterior, que trajera consigo mano de obra especializada), alguna de estilo neocolonial (símbolo de la vinculación con el pasado español) y el terreno baldío separado de la vereda por un sencillo cerco de madera, son enmarcados hacia el fondo por unos edificios de notable altura. Las medianeras que limitan el sitio baldío parecen señalar un inacabado proyecto modernizador, anunciando una próxima construcción. El febril ritmo al que estamos habituados parece ajeno a los habitantes de esta pintura y de ese sector citadino. En el balcón enfrentado al punto de mira de nuestra artista, y algunos pisos por debajo, alguien observa con apacible actitud. La ropa tendida en la terraza del mismo edificio que abajo tiene un almacén, indica la modestia de la vivienda. El entorno representado se contrapone a las majestuosas imágenes de otras zonas acomodadas de las urbes argentinas, con sus anchas avenidas y destacadas casonas, sus elegantes alumbrados públicos, sus característicos parques y arboledas, vidrieras y paseos culturales.

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | DIGNORA PASTORELLO DE LARCO

Artista: Dignora Pastorello de Larco
Obra: Hierro forjado
Año: 1968
Técnica: Oleo
Medidas: 0,70 x 1 mts.

Lectura de la obra “Hierro forjado”de Dignora Pastorello de Larco
Por: Mariana Robles

Hierro Forjado es la pintura de Dignora Pastorello donde vemos una mesa con platos y cubiertos, jarra y cenicero, vasos, una botella con vino y dos sillas, transcurriendo en la levedad del día. La luz ingresa por muchas persianas abiertas que rodean el cuarto y confunde las disimiles imágenes de lo urbano con la armoniosa disposición del hogar. En esa mesa, dos personas forjaron una conversación como las flores, hojas y figuras geométricas se forjaron en el hierro de los balcones cercanos. A través, de esas ventanas apenas distinguimos el cielo que, oculto entre la arquitectura de la ciudad, brilla. Dignora nos muestra la vista serena de ese horizonte interior, la simetría armónica que comunica el murmullo compartido y las repeticiones de un afuera que aparece nítido y vivaz. Nos cuenta, con el gesto de su mano pintora el mundo desde su ventana y nos sugiere, al mismo tiempo que, en cada ventana nace otro único y singular. Así, la mirada se enreda en los balcones, en los dibujos de bellas y sutiles artesanías que invocan otra artesanía, la del tiempo que fragua los minutos en el acontecer cotidiano. El espacio se fundé en esa poética de la intimidad que recorre los bucles de una corola de hierro y descubre los tonos sutiles del mantel, las delicadas líneas que lo distinguen de la pared. El cuerpo en su ausencia efectiva dejó una huella y en el aire de la pintura se siente la frescura inmediata de los que a una mesa cálida llegan o se van, alegremente

CULTURA ITINERANTE | EL MUSEO GENARO PÉREZ RECORRE LA CIUDAD | ANA PAYRÓ

Artista: Ana Payró
Obra: Sortilegio
Año: 1972
Técnica: Oleo
Medidas: 1,50 x 0,90

Lectura de la obra “Sortilegio”de Ana Payró
Por: Alejandra Perié

“La geometría tiene que ver con los motivos,
pero lo último que hace es crearlos”
John Berger

Lo primero que nos ocurre cuando nos aproximamos a una pintura geométrica es –en la mayoría de los casos- la suspensión de la interpretación. Lo que de cara a la pintura de representación es flujo de sentido; se convierte en pausa frente a la pintura de lo “que es”. Algunos lectores recurren de inmediato al título de la obra: “Sortilegio”. Un título nos da esa calma de saber que hay al menos un tema; algo que nos devuelve la narrativa y nos saca de esa pausa que es la mera suspensión en la percepción primaria de la forma y el color y en otros elementos de la superficie del cuadro. Temáticamente la deriva del término sortilegio en cuanto a las artes adivinatorias nos habilita a interpretar que toda práctica geométrica promueve -en cierta medida- una práctica de interpretación crítica y desencantada (sobre todo en esos años). El ejercicio de lo geométrico en la pintura parece haber estado siempre en los bordes de lo correcto, generando la inevitable pulsión por abrir el campo de nuestra experiencia como lectores .
Es curioso como aún hoy, algunas artistas “mujeres” parecen no haber existido nunca. Unas pocas obras conservadas, algunos datos biográficos y poco más. ¿Qué implicaba ser una mujer pintora geométrica en 1950 en Buenos Aires teniendo un padre y un hermano que gozaban de gran reconocimiento en las discusiones sobre la crítica cultural? Sortilegio (1972) nos ubica necesariamente en ese controvertido contexto en el que se viene debatiendo el problema de lo moderno como tensión permanente entre pasado y presente; expresada en una discusión sobre la idea de genio artístico moderno, sobre la relación forma-contenido, y el reciente proceso de democratización de las prácticas del arte.
Su trabajo, en otro orden, da cuenta de un estrecho lazo con el mundo de las prácticas artesanales y decorativas. Su pintura también hace visible el contacto con otras materialidades más lindantes del mundo del arte elitario; tales como la encuadernación, lo textil, y labores a las que Ana se aproximó como docente y artista . Es notable su preocupación por el ejercicio de lo compositivo en lo concreto de la pintura; lo cual aparece con cierta evidencia en el empleo de las formas y los colores, el tratamiento de los valores y las transparencias en el empleo del óleo. Cézanne, Pettorutti, Lotte, Rimbaud, Verhaen, Goethe y otres… su trabajo se mantuvo en diálogo con fuentes variadas y controvertidas.
Lo que nos quedará siempre pendiente es la reflexión sobre la práctica persistente en torna a la geometría y el color; sobre todo en el color como protagonista de su pintura.