INSTALACIÓN AUDIOVISUAL INTERACTIVA MGP | GRID | SOLIMÁN LÓPEZ | COPRODUCCIÓN CENTRO ESPAÑA


Instalación audiovisual interactiva: Sinfonía electrónica audiovisual basada en inteligencia artificial y modulada mediante la señal wifi de los terminales del público asistente.


SOBRE LA OBRA
Tras su presentación en la Nuit Blanche de Paris 2019 en la emblemática Place de la Bourse, Solimán López presenta en Córdoba gracias al Centro España, el proyecto GRID.
GRID se basa en la construcción poética de un paisaje visual y sonoro basado en inteligencia artificial que se ve modificado en tiempo real por la presencia del espectador y de su terminal móvil, ya que la obra se modifica según los niveles de la señal Wifi de los dispositivos que se encuentran cerca de la instalación, convirtiendo la presencia del público en la base fundamental para la construcción y comprensión de la obra. Con esta acción simbólica, el artista pretende hacer un uso destacado y poético de los datos digitales, más allá de los usos que realizan las grandes corporaciones o las estructuras comerciales con nuestra información, GRID es una emancipación positiva de aquello que no se ve y que ahora queda puesto en evidencia de manera artística.


SOBRE EL ARTISTA
Solimán López pertenece a esa generación de artistas bisagra entre dos tiempos. Entre el analógico y el digital.
De la relación entre ambos y su entendimiento profundo surgen las claves para encontrar la poesía en la tecnología y en los nuevos medios de expresión.
Su principal interés radica en la conexión entre la historia del arte, entendiendo el arte contemporáneo como una evolución del pensamiento, las problemáticas sociales y psicológicas derivadas de la revolución digital y la exploración del lenguaje tecnológico como vía de comunicación artística.
Esta investigación continua se materializa a través del trabajo con inteligencia artificial, la instalación inmersiva e interactiva, la fotogrametría, el 3D y sus derivaciones en realidad aumentada o virtual y la electrónica en general, materializando sus trabajos en diferentes formatos que van desde la escultura, el audiovisual interactivo, la instalación, la performance o el arte digital al net art.

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MUESTRA TEMPORAL MGP | SI ME TRAGO EL GRITO IGUAL VOMITO | CARLA FERRER ZANGRANDI | PRODUCCIÓN CURATORIAL PROYECTO ROTATORIA | NICOLÁS BERTONA Y RODRIGO GÓMEZ MURA


PRODUCCIÓN CURATORIAL
Proyecto Rotatoria
Nicolás Bertona y Rodrigo Gómez Mura


SOBRE LA MUESTRA
si me trago el grito igual vomito es una instancia expositiva del trabajo procesual de la artista donde convergen sus micropolíticas: feminismo, exploración y explotación del formato GIF – circular dentro de las redes sociales – la (in)materialidad de las obras, los espacios que las contienen, el erotismo, el humor y la ironía.
Este proceso está inmerso dentro de las estrategias de Proyecto Rotatoria – Gestión dirigida – desde la convocatoria, la gestión de circuito de proyección y los proyectos expositivos – a multiplicar la puesta en crisis del GIF como lenguaje contemporáneo. http://www.proyectorotatoria.org
Todo esto fue posible gracias al convenio entre Proyecto Rotatoria con La subdirección de Cultura Digital y el Museo Genaro Pérez de la Municipalidad de Córdoba.


I. TEXTO CURATORIAL
Por Carla Ferrer Zangrandi

Los videos son registro y advertencia de un menjunje ácido en movimiento.
Un vómito de imágenes como práctica instantánea y depuradora de toxinas.


II. TEXTO CURATORIAL
Por Nicolás Bertona
Co-director de Proyecto Rotatoria

En deseosa protesta.

Lo interno es político, no hay duda. Las secreciones que adulteran el cuerpo marchan en avenidas pulsantes para juntarse en cavidades cívico-intimas. Se revuelven, se agitan… se revolucionan sobre sí mismas, sobre las demás. Toda una ciudad liquida -visiblemente en deseosa protesta- se arquea para tomar fuerza, para sólo contener un instante… lo que se busca es la máxima inercia. La mezcla contenida se sabe insegura, todo al punto del devenir lento y apurado. Toda imagen es una secreción y toda secreción es incontenible.
(Reflexiones circulares sobre las poéticas de Carla Ferrer Zangrandi)


SOBRE LA ARTISTA
Carla Ferrer Zangrandi
nació en Mendoza en 1996. Es artista visual, gestora cultural y laburante de changas. Durante 2018 coordinó “Proyecto Galería”, espacio de arte independiente en relación a las artes visuales y ganó el concurso de Proyecto Rotatoria en Córdoba en el 2018. En 2019 trabajó como montajista y galerista en Arteba junto a Imagen Galería; realizó su primera muestra individual “¿Cuántas veces se puede repetir una estupidez?” en Victoria Corazón, Mendoza. Participó con sus videos en Imaginarios Virtuales en el Museo Franklin Rawson, San Juan, Argentina. Y en el 3° Salón Internacional de Gráfica contemporánea en el Museo Nahim Isaías – Ecuador.

MUESTRA TEMPORAL MGP | FANTASMA SUCIO | CURADORES JUAN MARTÍN – JUARES GUSTAVO PIÑERO


CURADORES
Juan Martín Juares
Gustavo Piñero

ARTISTAS
Marisa Rossini /Tucumán
Yazmín Sirur Kaindl /Cba.
Nacha Vollenweider /Cba.
Natalia Homes /Cba.
Marina Ercole /Cba.
Cho Bracamonte /Cba.
Santiago Rey /Bs.As.
Carlos Aguirre /Rosario
Lihue Pumilla /La Pampa
Tamara Villoslada /Uruguay
Cuqui /Cba.
Juan Reos /Bs.As.
Mario Scorzelli /Bs.As.
Soledad González /Cba.
Juan Suarez /Cba.
Irana Douer /Bs.As.
Marcos Figueroa /Tucumán
Guillermo Mena /Cba.
Mónica Heller /Bs.As.
Mauricio Cerbellera /Cba.

MINI-CONTEMPORÁNEO /MODOPRINT
Coordina: Julieta Ramírez Cosulich
Artistas ModoPrint: Mateo Argüello Pitt, Pablo Peisino, Cuqui, Natalia Homes, Cecilia Candia, Juan Martín Juares, Cotelito.


SOBRE LA MUESTRA
La relación entre fantasmas y obras de arte siempre estuvo presente en el imaginario popular, espectros atrapados en pinturas, apariciones fantasmales en antiguos museos y teatros.
Esta analogía permite dimensionar la infinitud de la imaginación humana que permanentemente amplía los límites de la percepción.
¿Existe un límite en la construcción de universos ficticios?
La acción de dibujar está ligada a la urgencia de plasmar pensamientos y observaciones del entorno cotidiano, a veces amable, hostil, contaminado o injusto. Es un acto político-vandálico. Estos procesos creativos espontáneos conectan con la esencia humana y conducen a prácticas de dibujo ampliado y subversivo (subversivo como concepto antónimo de lo disciplinado), tensionando el carácter utilitarista-academicista-esteticista del lenguaje gráfico.
Estas experiencias y procesos a través del dibujo ayudan a reconstruir la unidad con el universo invisible, lastimosamente olvidada en la vorágine de la vida actual. Sosteniendo inútilmente la ambiciosa responsabilidad de volver a creer en arte y fantasmas.


SOBRE MINI-CONTEMPORANEO EN MODO PRINT
Edición de grabados en pequeño formato / 2019.
La propuesta consiste en un trabajo colectivo con dinámica de Taller Gráfico, incluye la selección de técnicas específicas del grabado adecuadas a la imagen de los artistas invitados. Nuestro objetivo es retomar lo laborioso y artesanal, recuperando la condición de portabilidad en el arte contemporáneo. El proyecto de edición de grabados en pequeño formato generará un archivo de producción inédita y representativa de una generación de artistas contemporáneos locales, no existe hasta el momento una recopilación con estas características.
Pensamos a “MINI-CONTEMPORANEO EN MODO PRINT” con alto valor de registro histórico.



I. TEXTO CURATORIAL
LA DIFUSA SILUETA DEL FANTASMA
(Por Juan Martín Juares)

“En el Museo cuentan que la niña, pintada por el mismo Genaro Pérez, durante el día reposa en su lienzo y que han notado la ausencia de la imagen durante algunas noches.
¿A dónde irá? Pocos se han atrevido a tratar de contestar esta pregunta, pero varias personas que trabajan en el lugar también contaron haber visto a otra niña, con atuendos de principio de siglo, sentada sobre la escalera”.

(Diario Día a Día, Córdoba, 12/01/2015)

La relación entre fantasmas y obras de arte siempre estuvo presente en el imaginario popular, espectros atrapados en pinturas, apariciones fantasmales en antiguos museos y teatros. Fenómeno justificado en la necesidad de trascender la vida común y ordinaria para adentrarse en territorios extraños.
Esta analogía permite dimensionar la infinitud de la imaginación humana que permanentemente amplía los límites de la percepción.

Según Paul Klee el artista debe integrarse a las fuerzas de la naturaleza para generar nuevas realidades y convertirse en un médium que viaja por mundos ocultos. De acuerdo a la psicología freudiana, el artista crea otra realidad porque no se resigna a abandonar la satisfacción de las fantasías y los deseos eróticos, pero siempre retorna al mundo real.
Ambas interpretaciones coinciden en la disconformidad con el mundo y la búsqueda de otra dimensión alternativa.
Tanto el arte como los fantasmas mienten y ese engaño permite construcciones imaginarias más allá de lo visible y palpable.
¿Existe un límite en la construcción de universos ficticios?
Cuando participamos en alguna experiencia estética, como cine, teatro o pintura, aceptamos gustosos el juego de simulación porque comprendemos que esa ficción amplia y complejiza la representación del mundo, lo enriquece.

Experiencias de dibujantes divergentes.
La acción de dibujar está ligada a la urgencia de plasmar pensamientos y observaciones del entorno cotidiano, a veces amable, hostil, contaminado o injusto. Es un acto político-vandálico. Estos procesos creativos espontáneos conectan con la esencia humana y conducen a prácticas de dibujo ampliado y subversivo (subversivo como concepto antónimo de lo disciplinado), tensionando el carácter utilitarista-academicista-esteticista del lenguaje gráfico.
La propuesta de esta exposición es un recorte cuidado y pretencioso (por qué no caprichoso) de artistas contemporáneos que sostiene una práctica expandida de dibujo en diferentes provincias del país: Santa Fe, Buenos Aires, Tucumán y Córdoba.
Dialogan en un recorrido espacial y diseño curatorial organizado en base a tópicos como: sexualidad – género, representación – cuerpo, relato – poesía, deformidades – bellezas absurdas, naturaleza – muerte, auto referencialidad – comunidad.
Particularmente pienso que estas experiencias y procesos a través del dibujo ayudan a reconstruir la unidad con el universo invisible, lastimosamente olvidada en la vorágine de la vida actual. Sosteniendo inútilmente la ambiciosa responsabilidad de volver a creer en arte y fantasmas.


II. TEXTO CURATORIAL

FANTASMA SUCIO – EXPERIENCIAS DE DIBUJO EXPANDIDO
(Por Gustavo Piñero)

Todo está muy oscuro, tenemos que forzar la vista y al hacerlo, empezamos a ver siluetas, formas.
Tomar una hoja en blanco y empezar a trazar líneas es hacer visible una ausencia, que a la vez va a dialogar con el espacio en donde se manifiesta. Lo opuesto a una idea cerrada o preconcebida, porque el dibujo como práctica es encontrarse con lo que aparece. O desaparece.
Dice John Berger en su libro Sobre el dibujo:
´Dibujar es ese movimiento continuo, ese constante avanzar y retroceder, entrar y salir. Dejarse transportar también implica que tenemos que adaptarnos a la corriente. Sumergirnos en el momento adecuado, respirar cuando corresponda y volver a sumergirnos´.
¿Y si el soporte, el papel blanco, la tela o una pared fueran como la superficie de un río?

Por momentos se asoma lo que hay abajo, por momentos es espuma, por momentos enormes rayas se arremolinan.
¿Lo que aparece? Un sobreviviente.
En esta muestra presentamos diferentes enfoques sobre el lenguaje del dibujo: artistas que expanden la práctica abarcando el espacio, el cuerpo como soporte, la línea como trinchera feminista, el espacio como lugar habitado, el dibujo como acción comunitaria.
Al hacer visible una ausencia, ¿qué pasa si ésta se manifiesta de una manera inesperada, un accidente que genera un resultado diferente? Una invocación que resulta una presencia que nos interpela.
Pero por más esfuerzo que hagamos para manejarlo, el dibujo, como un fantasma sucio, se presenta solo, y vuelve para mostrarnos que somos, al igual que él, un proceso inacabado.


SOBRE LOS CURADORES

Juan Martín Juares nació en Córdoba en 1976. Artista visual, docente y curador independiente. Lic. en Pintura (UNC) y Dibujante publicitario (Esc. L. E. Spilimbergo). Formó parte de Grup00, conjunto de artistas auto-gestionados. Actualmente coordina Mini-contemporáneo. Participó en exposiciones en Argentina, Holanda, Londres y N.Y. Se desempeña como docente adscripto en la Cátedra de Dibujo III (UNC). Recibió el “1er. Premio Ciudad de Córdoba 2009”, “1er Premio Banco de Córdoba 2013”, “3er Premio Salón Nacional 2016”, “1er. Premio Salón Rio Cuarto 2019”.


Gustavo Piñero es artista visual y curador. Realizo muchas exposiciones, siendo la última individual No Matarás en la galería El Gran Vidrio. Fue curador general de la feria Mercado de Arte en las ediciones 2015 y 2016, y del Museo Genaro Pérez entre el 2017 y el 2019. Actualmente está curando una muestra, León Ferrari – una luz que enceguece, en el Museo Genaro Pérez. Como artista está trabajando en un proyecto sobre apropiación de obra y diálogos en el tiempo. Su obra está representada en colecciones públicas y privadas, como el Centro de Arte Contemporáneo, del Museo Caraffa, del Museo Nacional de Bellas Artes, entre otras.

PRESENTACIÓN DE LIBRO MAC 2019 | DOMUS ORNAMENTAL | CAROLINA ANTONIADIS | PRESENTACIÓN CLAUDIO ONGARO HAELTERMAN

PRESENTACIÓN DE LIBRO MAC 2019

DOMUS ORNAMENTAL
de Carolina Antoniadis

Presentación cargo de
Claudio Ongaro Haelterman

Sábado 17 de agosto
16.30hs
Cabildo de Córdoba: Independencia 30. Centro. Cba.
Entrada libre y gratuita.

SOBRE LA PRESENTACIÓN
Queremos invitarlos a la presentación del libro “Domus Ornamental” de Carolina Antoniadis, en el marco del Mercado de Arte Contemporaneo 2019. El evento se realizará en el espacio Café en el Salón, en el Salón Rojo del Cabildo de nuestra ciudad.
El libro nos presenta un recorrido por la producción artística de Carolina Antodiadis desde sus inicios hasta la actualidad, presentado por un ensayo de Claudio Ongaro Haelterman, quien actualmente ha realizado la curaduría de la muestra “Una mirada situada o de cómo un domicilio deviene morada” en el Museo Genaro Pérez, que presenta características en íntima relación con los conceptos tratados en el libro.

SOBRE CAROLINA ANTONIADIS
Carolina Antoniadis nació en Rosario, provincia de Santa Fe, en 1961. Reside y trabaja en Buenos Aires. Su amor y pasión por el arte son herencia de su abuelo, Demetrio Antoniadis, pintor y paisajista que se radicó en Rosario al emigrar de Grecia que pronto integró el grupo de impresionistas del Litoral. En 1984, se recibió de profesora superior de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Durante el año 1987 fue integrante del Grupo de la X. De 1990 a 2001, trabajó en la cátedra de Skific Saltzman de la carrera de Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de Buenos Aires. Entre 1996 y 2003, fue profesora titular de la materia Pintura de tercer año en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Desde su primera exposición individual, en 1987, ha realizado decenas de muestras y ha participado en ferias y bienales internacionales como la Bienal de Cuenca (Ecuador), en 1998, y la Bienal de Panamá, en 2013. También formó parte del Workshop de la Fundación Progreso, auspiciado por la Fundación Rockefeller. Recibió la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1989 y 1999. Ese último año también ganó la Beca del Fondo Nacional de las Artes. En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. Ambos cuadros pertenecen a su última serie, Sonidos mentales (2017), y muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, tanto en la Argentina como en el exterior.

SOBRE CLAUDIO ONGARO HAELTERMAN
Claudio Ongaro Haelterman es Dr. en Estética (UNIFI), Master en Antropología Social (EAECS), Master en Semiótica (UNIBO). Secretario de Investigación y Posgrado (UNA). Docente e investigador en Posgrados UNA, UNTREF, INCAA-ENERC, UNIFI, UNIROMA. Director Editorial de la Colección Ensayos en Ciencias Sociales, Artes y Novela en América Latina de la Editorial Vallecchi de Florencia, Italia. Asesor Académico de UNPECC Unidad de Proyectos Especiales de Cultura para Cancillería del Ministerio de Relaciones Exteriores Comercio Internacional y Culto de la República Argentina, donde coordinó el Foro Latinoamericano Identidad e Integración. Miembro de la Fundación Internacional Leopoldo Marechal. Miembro AISI Asociación Italiana de Estudios Iberoamericanos. Curador y ensayista especializado en Arte Contemporáneo.

LA MIRADA SITUADA | TEXTO CURATORIAL DE LA CURADORA GENERAL MERCADO DE ARTE CONTEMPORÁNEO | CELINA HAFFORD

LA MIRADA SITUADA

El espacio cultural constituye un horizonte de comprensión,
forma parte de la existencia, incorpora la trama del lenguaje, la
noción de pertenencia y establece las formas y valores para
auto comprendernos desde una opción ética surgida de nuestra
propia autenticidad.
Rodolfo Kusch

Construir. Habitar. Morar.

Todo gesto humano inicia en la idea, en la intencionalidad de completar un propósito. La idea es el cimiento de una construcción que toma forma para dar sentido a aquello que fue pensado y proyectado. Podríamos creer que el habitar llega después, cuando la construcción se ha concluido y nos alistamos a impregnar el espacio con rasgos de identidad. Sin embargo, habitamos un espacio desde que concebimos la idea, lo construimos partiendo de una noción de morada, de detenerse, de permanecer, que nos antecede. Damos sentido al habitar en una relación deontológica que no puede entender aislados los medios del fin.

Es esa condición ética primaria la que determina nuestro modo de habitar, de ocupar un espacio, de reconocer nuestros pies plantados sobre un suelo. Cabe preguntarse si el suelo es sólo algo exterior, plantea Rodolfo Kusch. Si es un mapa trazado o un territorio vivo que se recorre hasta reconocer sus rasgos más profundos y auténticos.

Somos seres arrojados en un suelo, en un territorio que constituye nuestro paisaje cultural, nuestro domicilio existencial. Aquel que nos define en nuestras formas de entender, interpretar y expresar el mundo y que, por lo tanto, determina nuestros juicios y prejuicios, nuestros valores y valoraciones. Aún en tiempos globalizados e hiperconectados en los cuales el horizonte se mueve constantemente y se amplía así el territorio en el que se dan los procesos de circulación de sentido, la mirada propia se sigue ejerciendo desde un espacio situado. O, dicho en otros términos, en un espacio sitiado que limita las representaciones que nos hacemos del mundo que nos rodea y determina nuestras perspectivas y abordajes.

Pero no estamos solos. Formamos parte de un entramado de sentidos que, en una relación dialéctica, nos define y (re)definimos constantemente. La mirada situada es un posicionamiento ético y estético. Una invitación a un ejercicio de ciudadanía. La mirada contempla y completa. Vemos y somos mirados. Quien mira amplía el tamaño del mundo.

Escritorio-original-de-Rodolfo-Kusch

Arte. Mercado. Contextos.

Mercado de Arte Contemporáneo está celebrando su séptima edición. Nació en el intento de brindar un escenario de presentación y representación del hacer en torno al arte contemporáneo desde una perspectiva federal. Nos resistimos a pensar esta feria de arte desde la periferia. Nos reconocemos protagonistas en un territorio de sentidos en tensión, en constante construcción de un marco de referencia propio, en contacto con los centros hegemónicos del arte, proponiendo -simultáneamente- corrimientos hacia otros nuevos centros regionales posibles. Es un mirar que atiende a las metrópolis pero prioriza un acontecer que se da en otras geografías, se expresa con variadas tonadas, se referencia en diversas búsquedas e intereses.

Es esta noción de lo latinoamericano que nos interesa abordar: llevar a la conciencia el sentido profundo y la cualidad esencial de lo americano, no en términos folclóricos, sino como la irrupción de algo cotidiano que se da (y se muestra y se ve) de modos diferentes. Explorar, al menos en el ámbito del pensamiento, la posibilidad de nuevos cánones que permitan desafiar la mirada, volverla inquietante, modificando nuestra experiencia y enriqueciéndola. Ante la pregunta ¿qué es arte? proponemos profundizar ¿cuándo hay arte? y ¿cuáles son las metáforas con las que nuestros artistas nos desconciertan, nos incomodan, nos conmueven o nos dejan en estado de contemplación? ¿En qué momento sucede ese instante sagrado en que el hecho estético nos quita el aliento para devolvérnoslo siendo otros?

La actual edición de MAC 2019 plantea intencionalmente explorar un concepto en lugar de desarrollar ejes temáticos. LA MIRADA SITUADA busca reconocer a los diversos actores sociales que interactúan con el arte contemporáneo en el territorio cordobés y de su región ampliada, revelando la trama de omplejidades que lo presentan en su polisemia: artistas, coleccionistas, galeristas, instituciones legitimadoras -museos, crítica, prensa-, públicos cautivos y potenciales. LA MIRADA SITUADA intenta unir las partes, reconociendo las inquietudes y necesidades propias de cada colectivo, y poniendo en valor las diferentes formas de habitar, tanto el espacio vital de gestación y circulación del arte contemporáneo, como el transitorio que implica la feria-fiesta a la que estamos todos invitados, que se organiza durante varios meses y acontece durante cuatro días rituales.

El escenario es la feria, la réplica del tradicional mercado popular que se da en las plazas de los pueblos, cuyo propósito es la presentación y venta de los frutos de la tierra y la producción de las manos. Pero que se identifica con un sentido más profundo: el del espacio de reunión y encuentro, donde se da la palabra y se organiza un modo de estar, un rito de convivencia con los otros.

Juego. Símbolo. Fiesta.

Cuando hace siete años se inició este proceso germinal de Mercado de Arte Contemporáneo, no se avizoraba el crecimiento que podría alcanzar. El futuro siempre corresponde a la dimensión del deseo y de lo (im)posible. En un proceso de pequeños pasos, se convocó primero a galeristas, sumando año tras año y en este orden a: coleccionistas, artistas, a la academia y al arte en espacio público. Cada año acompañaron la gesta curadores que con su participación propusieron nuevos y ampliados rumbos a la feria. Cabe destacar que el nombre de cada uno de ellos, -reconocidos y prestigiosos referentes en sus respectivos ámbitos-, jerarquizó el acontecer de cada edición de MAC. Es que en todo intercambio del que formamos parte hay una condición de valoración inevitable e intrínseca, dice Braudillard. Los curadores ofrecen una lectura, una posibilidad de abordaje del acontecer del arte contemporáneo, y también un capital cultural y simbólico que referencian.

Incorporar a esta trama la perspectiva museológica implicó una profunda reflexión acerca del posicionamiento personal y profesional en torno al mercado del arte. Los museos, espacios que se pretenden neutrales, juegan un rol fundamental como institución legitimadora, pero también como espacios de democratización en la visibilización del acontecer artístico. Los museos, que ya todos sabemos, tienen una tradición vinculada al ejercicio de poder, se encuentran en un momento histórico de revisión crítica sobre los propios procesos y quehaceres. Los discursos y narrativas que antes tenían una dimensión unilateral y unívoca, se ponen en cuestión y en discusión para promover representaciones que incorporen nuevas perspectivas en la “voz propia” de los protagonistas. Todas estas transformaciones que está viviendo la institución museal están fuertemente vinculadas al museo como ágora, como campo de batalla de las ideas y los patrimonios, como lugar de encuentro para la circulación de sentidos. Es, en este sentido, garante del reconocimiento del Otro y de prácticas que propicien el bien común.

El museo comparte con la feria la selección y la presentación de manifestaciones materiales producidas por hombres y mujeres en contextos determinados. En ambos se consume arte, se ofrece una narrativa, se provoca el encuentro. Y el encuentro solo es posible cuando el otro llega e interactúa con aquello que le es ofrecido. No solo como acción contemplativa sino también como energía transformadora que puede generar hipertextos de análisis y ampliar los ámbitos de circulación simbólica que, en el caso de MAC, también referencia la producción de obras y el intercambio económico.

Desde aquí construimos MAC – LA MIRADA SITUADA. Incorporando a la trama de los actores sociales mencionados más arriba, la presencia del público como destinatario y protagonista de un evento ansiado en el ámbito cordobés. Así, en un guiño a los curadores que me antecedieron, y como gesto curatorial de esta edición: entiendo a cada una de las personas que transitan o habitan el domicilio de la feria como aquel visitante esperado para quien hemos servido la mesa, y cuya experiencia deseamos propicie nuevas apropiaciones culturales.

Hans-Georg Gadamer, en la preciosa obra La actualidad de lo bello, propone tres momentos centrales en torno a la obra de arte: el Juego, el Símbolo y la Fiesta, que reconoce como instancias independientes pero necesariamente vinculadas para alcanzar su fin. El momento de la acción creadora del artista (el juego), la materialidad de la obra que tiene entidad por sí misma (el símbolo) y la mirada del otro que en comunidad resignifica desde su lugar en el mundo cuando acontece el encuentro (la fiesta). La fiesta es celebración, en ella no solo no hay aislamiento, sino que todo está congregado.

CARTOGRAFÍA

Toda cartografía es una invitación a un territorio a recorrer. Se elabora en base a capas de información que superpuestas dan una referencia acabada. Mercado de Arte Contemporáneo representa un registro que, edición tras edición, dibuja un mapa en expansión. Al horizonte topográfico se suma el de las temporalidades transitadas que fueron complejizando y enriqueciendo la idea original.

Mercado de Arte Contemporáneo de Córdoba tiene una estructura de doble identidad. Por un lado, la feria propiamente dicha, con presentación de galerías y artistas, mostrando y determinando un panorama del quehacer regional en términos de mercado. Por otro, el desarrollo de zonas curadas con características de bienal en un intento de visibilizar ejercicios estéticos, acciones, producciones, publicaciones que también forman parte de esa escena del arte contemporáneo. No se trata de un ejercicio caprichoso. Por el contrario, responde a la naturaleza de una feria que se gesta desde el Estado municipal y que suma el apoyo y compromiso de muchos otros organismos públicos y privados.

Participan en esta edición más de 60 galerías presentes en Zona Bonino y Zona Crespo, expresando el compromiso federal de la feria, mientras fortalecen la escena y el mercado del arte en la región. Tal como lo acreditan los premios que acompañan este proceso: Premio Adquisición y Premio En Obra, que incorporan nuevas obras a los acervos del Museo Genaro Pérez y de colecciones privadas. Sin olvidar el Premio Argentino de Arte Público del Fondo Nacional de la Artes, que acompaña la producción de un proyecto que tiene como escenario el ámbito urbano y cotidiano.

Desde allí, en circuitos que nos permiten entrar y salir, volver a recorrer o regresar al punto de partida, se ordenan las zonas que expresan la diversidad:

Zona Liberada propone una curaduría con encargo de obras a estrenar durante la feria, que implicó la composición de parejas artísticas de distintas disciplinas promoviendo una relación de vínculos profesionales y estéticos entre los artistas de la región y un reconocimiento económico a los procesos creativos, y ya no sólo a los resultados premiados.

En salas sucesivas recorremos: Zona Editada, que se detiene en el libro, y concibe a la publicación como un objeto deseado que puede formar parte de una colección, mientras invita a demorarse en los detalles de diseño, papel, texturas, ilustraciones, vacíos. Zona Encuadre la completa con una selección de publicaciones de fotografía que explora la noción de centro y periferia, desde la mirada de su curadora: investigadora, antropóloga y coleccionista de imágenes espontáneas que el instinto rescata, cámara en mano, en las calles.

A continuación Zona Germinal, a la que se llega por varias vías, también por la de una retrospección íntima. Es un nuevo espacio pensado, curado y diseñado especialmente para los niños visitantes, que como dice su curadora “ven mucho y bien”. Junto a ellos el espacio destinado a Acciones de Mediación Artística, coordinado por profesionales de la UNC, en un proyecto de aproximación al arte contemporáneo destinado a todos los públicos, que se completa con la aplicación de recursos museológico-museográficos para optimizar la experiencia de circulación e interpretación de nuestros visitantes.

Esta edición da continuidad a Zona Red y al Programa NUTRE que, respectivamente, visibilizan a los artistas del interior de la provincia y acompañan el proyecto de primera exposición de jóvenes artistas. Vuelve a presentarse en el Cineclub Municipal un breve ciclo de películas argentinas generosamente cedidas por directores y distribuidores; a las que además se suman funciones vinculadas a la programación de Zona Germinal.

Zona Expandida es un nuevo proyecto que incorpora acciones en museos de la ciudad y la provincia, invitando a que el arte contemporáneo tensione poética o críticamente las exposiciones permanentes. Lo que nos ha permitido dar lugar a otras exposiciones organizadas por MAC y que de otro modo el ámbito del Cabildo Histórico no podía asumir, tales como las de docentes de la Facultad de Artes (UNC), las de residencias de artistas según convenio entre países, o las institucionales que promueven alianzas y expanden el mercado.

Un lugar protagónico ocupa Diálogo de colecciones, que se desarrolla en el Museo Genaro Pérez, y que materializa en una exposición la noción de “domicilio existencial” de Rodolfo Kusch que es el eje fundante del proyecto curatorial de MAC – LA MIRADA SITUADA.

Chile, en Frontera Abierta, es el país invitado presente en cada uno de los espacios referidos. En algunos participando con proyectos curatoriales propios. En otros como gesto de fraternidad y reconocimiento a la calidad de las producciones trasandinas en todas las disciplinas.

El Auditorio, foro de diálogo y debate, será hasta último momento un espacio en construcción. Nos encontramos allí, poniendo en palabras lo que el arte nos deja oculto y en vacilación.

Mercado de Arte Contemporáneo es un gesto y una gesta. Es un hacer comprometido y arduo, edificado profesional y afectivamente, que implicó para esta edición circunstancias coyunturales especiales que condicionaron el despliegue del deseo y la concreción de propuestas. Apelamos a la austeridad como impronta de responsabilidad. Entendemos, como expresa Aldous Huxley, que los medios por los cuales tratamos de realizar una cosa tienen por lo menos tanta importancia como los mismos fines que tratamos de lograr. En rigor, son en verdad más importantes que los fines.

A todos los muchos que hacen que MAC 2019 sea posible, mi reconocimiento y agradecimiento.

Celina Hafford

ENTREVISTA | CLAUDIO ONGARO HAELTERMAN | #MAC2019 | UNA MIRADA SITUADA O DE CÓMO UN DOMICILIO DEVIENE MORADA

Ya estamos trabajando en nuestra próxima inauguración. En esta oportunidad recibimos en el MGP, por tercer año consecutivo, el ciclo “Diálogo de Colecciones” del Mercado de Arte Contemporáneo 2019.
Compartimos con ustedes esta entrevista a Claudio Ongaro Haelterman, curador de la muestra “Una mirada situada o de cómo un domicilio deviene morada”, en donde nos comenta los lineamientos curatoriales a través de los cuales se vinculan los artistas, las colecciones invitadas, el curador y el museo.

Muy interesante su propuesta!

La muestra inaugura el próximo jueves 15 de agosto, a las 19:00hs, con entrada libre y gratuita.

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CURSO DE POSGRADO | INTRODUCCIÓN A LA CONSERVACIÓN DE LA PIEDRA – EL CASO DE LOS MUSEOS AL AIRE LIBRE | DICTADO POR AXEL NIELSEN |

Hoy, lunes 24 de junio a las 15:30, comienzan en nuestro museo las clases teóricas del curso de Posgrado Teórico “Introducción a la conservación de la piedra. El caso de los Museos al aire libre”, dictado por el Prof. Mgter. Axel Nielsen.
Las clases se dictarán en el MGP del lunes 24 al viernes 28 de junio de 15h30 a 19h30. Son 22 hs en total, con certificado.
El curso está dirigido a Magister en Conservación del Patrimonio, Arquitectos y formaciones afines.
Desgraciadamente, el cupo está completo.

Organizan
Istituto Italiano di Cultura de Córdoba, Dirección General de Cultura y Patrimonios y Dirección General de Cementerios de la Municipalidad de Córdoba, Escuela de Graduados FAUD UNC. Auspicia la Comisión Nacional de Monumentos, de Lugares y de Bienes Históricos.

Sobre el curso
La relevancia de este Curso de posgrado en el campo de la conservación y restauración de la piedra, se basa en dos hechos principales. Será dictado por el Mgter. Prof. Axel Nielsen, importante restaurador argentino de larga residencia en Génova, de cuya Universidad es Docente de especialización, con extensa experiencia de restauro de obras en Italia, y en misiones Unesco en Turquía, Siria, Líbano, entre otras.
Este curso es la continuación de otro anterior dictado por el Prof. Nielsen en 2017, y al completarse con una importante carga horaria de tareas prácticas sobre dos tumbas en mármol, es inédito en Córdoba desde el punto de vista de la conservación patrimonial de nuestra mejor arquitectura funeraria. También responde al pedido de profundización de sus aspectos técnico-operativos por el grupo de Restauradoras que hicieron el curso de 2017, tanto como de las autoridades de la Dirección General de Cultura y Patrimonios y de la de Cementerios de la Municipalidad de Córdoba.
La noción de Museo al aire libre se aplica plenamente en el caso del lugar de las actividades prácticas, nuestro Cementerio de San Jerónimo, cuya administración está comprometida en favorecer acciones de conservación y difusión de su importante acervo artístico y patrimonial.

Objetivos del curso
El objetivo principal es dar lugar a un espacio de intercambio científico y profesional, en cuanto a criterios y técnicas de conservación, así como transmitir y profundizar conocimientos específicos en limpieza y restauración superficial de piedras y mármoles. La idea prioritaria es formar y consolidar un cuerpo de profesionales restauradores idóneos, aportándoles capacidades técnicas y ejecutivas que les permitan intervenir apropiadamente en obras de alto valor patrimonial. Se trata de responder a necesidades reales, pues en nuestro medio no existen formaciones que permitan adquirir este bagaje preciso.

Contenidos teóricos
Elementos de Teoría de la restauración.
El deterioro.
El diagnóstico de la restauración.
La restauración.
La limpieza.
Limpieza de la costra negra.
Problemas particulares de limpieza.
El deterioro biológico.
La consolidación.
Consolidantes a bases de silicios.
Consolidantes orgánicos.
La protección.

Sobre el docente
Axel Nielsen es licenciado y profesor de Historia en la Universidad Nacional de Córdoba, especializado en Restauración de Monumentos con Master en la Facultad de Arquitectura de Génova, ciudad donde vive desde 1989. Es el titular de un laboratorio de conservación de obras de arte en Génova desde 1990. Desde el 1993 al 2008 ha colaborado en Turquía con las Misiones Arqueológicas Italianas de Hierópolis de Frigia en Pamukkale, (con la Università di Lecce), de Iasos en Milas, (con el Museo Archeologico Nazionale di Ferrara) y en Bodrum (con la Texas A&M University) en la reconstrucción de monumentos helenísticos. Ha trabajado en actividades didácticas y de restauración en Bolivia (La Paz) y en Brasil (Mato Grosso do Sul, Campo Grande, con la Universidad Don Bosco). Ha dado conferencias en el Master of Conservation of Historic Objects como Visiting professor en Durham (Inglaterra), en el E.N.A.I.P. (Ente di formazione Professionale) y en la Scuola Edile de Génova. Es profesor en el Master en Restauración de la Facultad de Arquitectura de Génova, y en Turquía con la Bilkent University – Ankara, Gazi University –Ankara y M.E.T.U Middle East Technical University – Ankara. Es miembro de RCAI, Red de científicos argentinos en Italia. Ha sido calificado como Empresa Artesana de Calidad en Liguria en el 2015.