ATENCIÓN: CIERRE DEL MUSEO Y CANCELACIÓN DE PROGRAMACIÓN.

El intendente Martín Llaryora dispuso la conformación de un Gabinete Sanitario Permanente, intensificando y ampliando las medidas, con motivo de la declaración de la Organización Mundial de la Salud de Pandemia por #Covid_19 .

En línea con esta resolución, el MGP ha cancelado toda su programación y permanecerá cerrado al público hasta nuevo aviso.

Además, se instruyó a las diferentes secretarías del gabinete a tomar las siguientes medidas:

✅Restringir de manera preventiva todas las actividades de alta concentración de personas.
✅Suspender de manera preventiva el ingreso de público a los espectáculos deportivos.
✅Posponer las habilitaciones de todo recital masivo en la ciudad.
✅Cerrar preventivamente los museos y Centros Culturales Municipales.
✅Restringir preventivamente todos los eventos enfocados al turismo.
✅Cerrar de manera preventiva los Hogares de Día Municipales, por lo cual se dispuso que los módulos alimentarios se distribuirán a domicilio.
✅Restringir preventivamente el ingreso de personas al Hogar Padre La Mónaca.
✅Suspender preventivamente todas las licencias al personal de Salud Municipal.
✅Ampliar la disponibilidad de fondos municipales, que serán destinados a reforzar el sistema de salud municipal frente a la contingencia.

⚠ El Gabinete Sanitario Permanente aclara que la decisión de restringir de manera preventiva todas las actividades de alta concentración de personas, incluye la suspensión de bailes y boliches. ⚠

Sepan disculpar las molestias.

ACTIVIDADES PARALELAS A LA MUESTRA FANTASMA SUCIO | MINI MODO PRINT – JAM DE GRABADO | MINI-CONTEMPORÁNEO | DESAPEGO #07. RECLAMANDO UN FIN ACCIÓN | GUILLERMO MENA

ACTIVIDADES PARALELAS A LA MUESTRA FANTASMA SUCIO

Mini Modo Print / JAM de grabado
Coordina: Julieta Ramírez Cosulich – Laura Lucero
Lectura de poemas: Lourdes Díaz

Acción de Desapego #07. Reclamando un fin
Acción de Guillermo Mena
Intervención sonora: Renata Bonamici

Jueves 13 de febrero de 2020
De 18 a 20hs
MGP: General Paz 33. Centro. Cba.
Entrada libre y gratuita

SOBRE EL ENCUENTRO
En el marco de la muestra de dibujo ampliado “Fantasma Sucio”, curada por Juan Juares y Gustavo Piñero, realizaremos un encuentro con varios de los artistas participantes de esta muestra colectiva.

En Mini Modo Print / JAM de grabado realizaremos grabados empleando la técnica mono-copia con matrices de collages de acetatos impresas sobre papel en una prensa de grabado. La propuesta es abierta y colaborativa, proponiendo la producción de grabados en pequeño formato a los asistentes, con la ayuda de las coordinadoras.
Queremos, con esta acción, rescatar al grabado en pequeño formato como una propuesta que enfoca la mirada y la labor del artista a una escala más humana e íntima, que funciona como alternativa al contexto dominado por la vorágine y saturación de los nuevos medios tecnológicos en el que vivimos actualmente.

La actividad tiene tres partes: Primero, atenderemos a la lectura performática de poemas de Lourdes Díaz, la fantasma inspiradora. Después, realizaremos matrices de grabado con collages de acetatos, posterior entintado y pasado por prensa de grabado; acentuando la instancia de experimentación e improvisación. Por último, presentaremos con un tendido de los trabajos realizados, ¡acompañados de un brindis!

Por otro lado, en “Acción de Desapego #07. Reclamando un fin…”, a cargo del artista Guillermo Mena, seremos espectadores de la acción en su obra expuesta “Reclamando el fin de una tarde y de una tormenta”, basada en el anhelo de preservar y conservar algo a partir de situaciones efímeras.
La acción consiste en la extracción de huellas/manchas a partir de frotar papeles sobre el muro dibujado con carbón, pronto a desaparecer. A partir de la interacción del cuerpo, el movimiento y los materiales se realiza un rescate del material volátil en el muro, casi una monocopia, de manera que se generan nuevas manchas que alojan el contenido de ese instante en un formato, preservable.

SOBRE LA MUESTRA FANTASMA SUCIO
La relación entre fantasmas y obras de arte siempre estuvo presente en el imaginario popular, espectros atrapados en pinturas, apariciones fantasmales en antiguos museos y teatros.
Esta analogía permite dimensionar la infinitud de la imaginación humana que permanentemente amplía los límites de la percepción.
¿Existe un límite en la construcción de universos ficticios?
La acción de dibujar está ligada a la urgencia de plasmar pensamientos y observaciones del entorno cotidiano, a veces amable, hostil, contaminado o injusto. Es un acto político-vandálico. Estos procesos creativos espontáneos conectan con la esencia humana y conducen a prácticas de dibujo ampliado y subversivo (subversivo como concepto antónimo de lo disciplinado), tensionando el carácter utilitarista-academicista-esteticista del lenguaje gráfico.
Estas experiencias y procesos a través del dibujo ayudan a reconstruir la unidad con el universo invisible, lastimosamente olvidada en la vorágine de la vida actual. Sosteniendo inútilmente la ambiciosa responsabilidad de volver a creer en arte y fantasmas.

SOBRE LOS ARTISTAS
Mini-contemporáneo es un proyecto curatorial que propone nuevas alternativas de producción y exhibición de arte. El objetivo es promocionar jóvenes artistas que experimenten con obras en con pequeños formatos y materiales pobres. El valor de la propuesta está basada en la poética de lo posible, la economía de recursos y mínimos formatos favorece la libertad creativa originando producciones artísticas poco especulativas, en tensión con el circuito de arte contemporáneo. Mini-contemporáneo nace en 2009, desde entonces realiza un constante e intenso trabajo de gestión mediante la organización de exposiciones y eventos en diferentes espacios del país. Considerado un “semillero” de jóvenes artistas e importante referente del arte visual cordobés.

Julieta Ramírez Cosulich nació en Córdoba en 1989. Estudió Diseño de Interiores en la Esc. de Diseño Aguas de la Cañada, Cba. Actualmente cursa Licenciatura en Artes Visuales en la UNC. Participa en el grupo de investigación de Grabado junto a la Lic. Adriana Miranda en la UNC. Coordina el proyecto Mini-Modo Print (edición y archivo de grabados de artistas contemporáneos). Ha realizado numerosas exposiciones en centros culturales, museo y galerías de arte de Córdoba, La Pampa, Buenos Aires y Tucumán. Ha recibido el Premio Obrar a la Produccion colectiva. Córdoba Cultura, Municipalidad de Cba 2017.

Guillermo Mena nació en Los Cóndores, Córdoba 1986. Es Técnico Superior en Artes Visuales de la Escuela Provincial de Bellas Artes Líbero Pierini y Técnico en Diseño Gráfico de la UESiglo 21 de Río Cuarto. Tomó clínicas de obra con Rodrigo Alonso, Lucas Di Pascuale y Claudia del Río, entre otros. Expuso individualmente en el Museo Emilio Caraffa de Córdoba y recibió la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes en 2017 y 2019. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

INSTALACIÓN AUDIOVISUAL INTERACTIVA MGP | GRID | SOLIMÁN LÓPEZ | COPRODUCCIÓN CENTRO ESPAÑA


Instalación audiovisual interactiva: Sinfonía electrónica audiovisual basada en inteligencia artificial y modulada mediante la señal wifi de los terminales del público asistente.


SOBRE LA OBRA
Tras su presentación en la Nuit Blanche de Paris 2019 en la emblemática Place de la Bourse, Solimán López presenta en Córdoba gracias al Centro España, el proyecto GRID.
GRID se basa en la construcción poética de un paisaje visual y sonoro basado en inteligencia artificial que se ve modificado en tiempo real por la presencia del espectador y de su terminal móvil, ya que la obra se modifica según los niveles de la señal Wifi de los dispositivos que se encuentran cerca de la instalación, convirtiendo la presencia del público en la base fundamental para la construcción y comprensión de la obra. Con esta acción simbólica, el artista pretende hacer un uso destacado y poético de los datos digitales, más allá de los usos que realizan las grandes corporaciones o las estructuras comerciales con nuestra información, GRID es una emancipación positiva de aquello que no se ve y que ahora queda puesto en evidencia de manera artística.


SOBRE EL ARTISTA
Solimán López pertenece a esa generación de artistas bisagra entre dos tiempos. Entre el analógico y el digital.
De la relación entre ambos y su entendimiento profundo surgen las claves para encontrar la poesía en la tecnología y en los nuevos medios de expresión.
Su principal interés radica en la conexión entre la historia del arte, entendiendo el arte contemporáneo como una evolución del pensamiento, las problemáticas sociales y psicológicas derivadas de la revolución digital y la exploración del lenguaje tecnológico como vía de comunicación artística.
Esta investigación continua se materializa a través del trabajo con inteligencia artificial, la instalación inmersiva e interactiva, la fotogrametría, el 3D y sus derivaciones en realidad aumentada o virtual y la electrónica en general, materializando sus trabajos en diferentes formatos que van desde la escultura, el audiovisual interactivo, la instalación, la performance o el arte digital al net art.

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MUESTRA TEMPORAL MGP | SI ME TRAGO EL GRITO IGUAL VOMITO | CARLA FERRER ZANGRANDI | PRODUCCIÓN CURATORIAL PROYECTO ROTATORIA | NICOLÁS BERTONA Y RODRIGO GÓMEZ MURA


PRODUCCIÓN CURATORIAL
Proyecto Rotatoria
Nicolás Bertona y Rodrigo Gómez Mura


SOBRE LA MUESTRA
si me trago el grito igual vomito es una instancia expositiva del trabajo procesual de la artista donde convergen sus micropolíticas: feminismo, exploración y explotación del formato GIF – circular dentro de las redes sociales – la (in)materialidad de las obras, los espacios que las contienen, el erotismo, el humor y la ironía.
Este proceso está inmerso dentro de las estrategias de Proyecto Rotatoria – Gestión dirigida – desde la convocatoria, la gestión de circuito de proyección y los proyectos expositivos – a multiplicar la puesta en crisis del GIF como lenguaje contemporáneo. http://www.proyectorotatoria.org
Todo esto fue posible gracias al convenio entre Proyecto Rotatoria con La subdirección de Cultura Digital y el Museo Genaro Pérez de la Municipalidad de Córdoba.


I. TEXTO CURATORIAL
Por Carla Ferrer Zangrandi

Los videos son registro y advertencia de un menjunje ácido en movimiento.
Un vómito de imágenes como práctica instantánea y depuradora de toxinas.


II. TEXTO CURATORIAL
Por Nicolás Bertona
Co-director de Proyecto Rotatoria

En deseosa protesta.

Lo interno es político, no hay duda. Las secreciones que adulteran el cuerpo marchan en avenidas pulsantes para juntarse en cavidades cívico-intimas. Se revuelven, se agitan… se revolucionan sobre sí mismas, sobre las demás. Toda una ciudad liquida -visiblemente en deseosa protesta- se arquea para tomar fuerza, para sólo contener un instante… lo que se busca es la máxima inercia. La mezcla contenida se sabe insegura, todo al punto del devenir lento y apurado. Toda imagen es una secreción y toda secreción es incontenible.
(Reflexiones circulares sobre las poéticas de Carla Ferrer Zangrandi)


SOBRE LA ARTISTA
Carla Ferrer Zangrandi
nació en Mendoza en 1996. Es artista visual, gestora cultural y laburante de changas. Durante 2018 coordinó “Proyecto Galería”, espacio de arte independiente en relación a las artes visuales y ganó el concurso de Proyecto Rotatoria en Córdoba en el 2018. En 2019 trabajó como montajista y galerista en Arteba junto a Imagen Galería; realizó su primera muestra individual “¿Cuántas veces se puede repetir una estupidez?” en Victoria Corazón, Mendoza. Participó con sus videos en Imaginarios Virtuales en el Museo Franklin Rawson, San Juan, Argentina. Y en el 3° Salón Internacional de Gráfica contemporánea en el Museo Nahim Isaías – Ecuador.

MUESTRA TEMPORAL MGP | FANTASMA SUCIO | CURADORES JUAN MARTÍN – JUARES GUSTAVO PIÑERO


CURADORES
Juan Martín Juares
Gustavo Piñero

ARTISTAS
Marisa Rossini /Tucumán
Yazmín Sirur Kaindl /Cba.
Nacha Vollenweider /Cba.
Natalia Homes /Cba.
Marina Ercole /Cba.
Cho Bracamonte /Cba.
Santiago Rey /Bs.As.
Carlos Aguirre /Rosario
Lihue Pumilla /La Pampa
Tamara Villoslada /Uruguay
Cuqui /Cba.
Juan Reos /Bs.As.
Mario Scorzelli /Bs.As.
Soledad González /Cba.
Juan Suarez /Cba.
Irana Douer /Bs.As.
Marcos Figueroa /Tucumán
Guillermo Mena /Cba.
Mónica Heller /Bs.As.
Mauricio Cerbellera /Cba.

MINI-CONTEMPORÁNEO /MODOPRINT
Coordina: Julieta Ramírez Cosulich
Artistas ModoPrint: Mateo Argüello Pitt, Pablo Peisino, Cuqui, Natalia Homes, Cecilia Candia, Juan Martín Juares, Cotelito.


SOBRE LA MUESTRA
La relación entre fantasmas y obras de arte siempre estuvo presente en el imaginario popular, espectros atrapados en pinturas, apariciones fantasmales en antiguos museos y teatros.
Esta analogía permite dimensionar la infinitud de la imaginación humana que permanentemente amplía los límites de la percepción.
¿Existe un límite en la construcción de universos ficticios?
La acción de dibujar está ligada a la urgencia de plasmar pensamientos y observaciones del entorno cotidiano, a veces amable, hostil, contaminado o injusto. Es un acto político-vandálico. Estos procesos creativos espontáneos conectan con la esencia humana y conducen a prácticas de dibujo ampliado y subversivo (subversivo como concepto antónimo de lo disciplinado), tensionando el carácter utilitarista-academicista-esteticista del lenguaje gráfico.
Estas experiencias y procesos a través del dibujo ayudan a reconstruir la unidad con el universo invisible, lastimosamente olvidada en la vorágine de la vida actual. Sosteniendo inútilmente la ambiciosa responsabilidad de volver a creer en arte y fantasmas.


SOBRE MINI-CONTEMPORANEO EN MODO PRINT
Edición de grabados en pequeño formato / 2019.
La propuesta consiste en un trabajo colectivo con dinámica de Taller Gráfico, incluye la selección de técnicas específicas del grabado adecuadas a la imagen de los artistas invitados. Nuestro objetivo es retomar lo laborioso y artesanal, recuperando la condición de portabilidad en el arte contemporáneo. El proyecto de edición de grabados en pequeño formato generará un archivo de producción inédita y representativa de una generación de artistas contemporáneos locales, no existe hasta el momento una recopilación con estas características.
Pensamos a “MINI-CONTEMPORANEO EN MODO PRINT” con alto valor de registro histórico.



I. TEXTO CURATORIAL
LA DIFUSA SILUETA DEL FANTASMA
(Por Juan Martín Juares)

“En el Museo cuentan que la niña, pintada por el mismo Genaro Pérez, durante el día reposa en su lienzo y que han notado la ausencia de la imagen durante algunas noches.
¿A dónde irá? Pocos se han atrevido a tratar de contestar esta pregunta, pero varias personas que trabajan en el lugar también contaron haber visto a otra niña, con atuendos de principio de siglo, sentada sobre la escalera”.

(Diario Día a Día, Córdoba, 12/01/2015)

La relación entre fantasmas y obras de arte siempre estuvo presente en el imaginario popular, espectros atrapados en pinturas, apariciones fantasmales en antiguos museos y teatros. Fenómeno justificado en la necesidad de trascender la vida común y ordinaria para adentrarse en territorios extraños.
Esta analogía permite dimensionar la infinitud de la imaginación humana que permanentemente amplía los límites de la percepción.

Según Paul Klee el artista debe integrarse a las fuerzas de la naturaleza para generar nuevas realidades y convertirse en un médium que viaja por mundos ocultos. De acuerdo a la psicología freudiana, el artista crea otra realidad porque no se resigna a abandonar la satisfacción de las fantasías y los deseos eróticos, pero siempre retorna al mundo real.
Ambas interpretaciones coinciden en la disconformidad con el mundo y la búsqueda de otra dimensión alternativa.
Tanto el arte como los fantasmas mienten y ese engaño permite construcciones imaginarias más allá de lo visible y palpable.
¿Existe un límite en la construcción de universos ficticios?
Cuando participamos en alguna experiencia estética, como cine, teatro o pintura, aceptamos gustosos el juego de simulación porque comprendemos que esa ficción amplia y complejiza la representación del mundo, lo enriquece.

Experiencias de dibujantes divergentes.
La acción de dibujar está ligada a la urgencia de plasmar pensamientos y observaciones del entorno cotidiano, a veces amable, hostil, contaminado o injusto. Es un acto político-vandálico. Estos procesos creativos espontáneos conectan con la esencia humana y conducen a prácticas de dibujo ampliado y subversivo (subversivo como concepto antónimo de lo disciplinado), tensionando el carácter utilitarista-academicista-esteticista del lenguaje gráfico.
La propuesta de esta exposición es un recorte cuidado y pretencioso (por qué no caprichoso) de artistas contemporáneos que sostiene una práctica expandida de dibujo en diferentes provincias del país: Santa Fe, Buenos Aires, Tucumán y Córdoba.
Dialogan en un recorrido espacial y diseño curatorial organizado en base a tópicos como: sexualidad – género, representación – cuerpo, relato – poesía, deformidades – bellezas absurdas, naturaleza – muerte, auto referencialidad – comunidad.
Particularmente pienso que estas experiencias y procesos a través del dibujo ayudan a reconstruir la unidad con el universo invisible, lastimosamente olvidada en la vorágine de la vida actual. Sosteniendo inútilmente la ambiciosa responsabilidad de volver a creer en arte y fantasmas.


II. TEXTO CURATORIAL

FANTASMA SUCIO – EXPERIENCIAS DE DIBUJO EXPANDIDO
(Por Gustavo Piñero)

Todo está muy oscuro, tenemos que forzar la vista y al hacerlo, empezamos a ver siluetas, formas.
Tomar una hoja en blanco y empezar a trazar líneas es hacer visible una ausencia, que a la vez va a dialogar con el espacio en donde se manifiesta. Lo opuesto a una idea cerrada o preconcebida, porque el dibujo como práctica es encontrarse con lo que aparece. O desaparece.
Dice John Berger en su libro Sobre el dibujo:
´Dibujar es ese movimiento continuo, ese constante avanzar y retroceder, entrar y salir. Dejarse transportar también implica que tenemos que adaptarnos a la corriente. Sumergirnos en el momento adecuado, respirar cuando corresponda y volver a sumergirnos´.
¿Y si el soporte, el papel blanco, la tela o una pared fueran como la superficie de un río?

Por momentos se asoma lo que hay abajo, por momentos es espuma, por momentos enormes rayas se arremolinan.
¿Lo que aparece? Un sobreviviente.
En esta muestra presentamos diferentes enfoques sobre el lenguaje del dibujo: artistas que expanden la práctica abarcando el espacio, el cuerpo como soporte, la línea como trinchera feminista, el espacio como lugar habitado, el dibujo como acción comunitaria.
Al hacer visible una ausencia, ¿qué pasa si ésta se manifiesta de una manera inesperada, un accidente que genera un resultado diferente? Una invocación que resulta una presencia que nos interpela.
Pero por más esfuerzo que hagamos para manejarlo, el dibujo, como un fantasma sucio, se presenta solo, y vuelve para mostrarnos que somos, al igual que él, un proceso inacabado.


SOBRE LOS CURADORES

Juan Martín Juares nació en Córdoba en 1976. Artista visual, docente y curador independiente. Lic. en Pintura (UNC) y Dibujante publicitario (Esc. L. E. Spilimbergo). Formó parte de Grup00, conjunto de artistas auto-gestionados. Actualmente coordina Mini-contemporáneo. Participó en exposiciones en Argentina, Holanda, Londres y N.Y. Se desempeña como docente adscripto en la Cátedra de Dibujo III (UNC). Recibió el “1er. Premio Ciudad de Córdoba 2009”, “1er Premio Banco de Córdoba 2013”, “3er Premio Salón Nacional 2016”, “1er. Premio Salón Rio Cuarto 2019”.


Gustavo Piñero es artista visual y curador. Realizo muchas exposiciones, siendo la última individual No Matarás en la galería El Gran Vidrio. Fue curador general de la feria Mercado de Arte en las ediciones 2015 y 2016, y del Museo Genaro Pérez entre el 2017 y el 2019. Actualmente está curando una muestra, León Ferrari – una luz que enceguece, en el Museo Genaro Pérez. Como artista está trabajando en un proyecto sobre apropiación de obra y diálogos en el tiempo. Su obra está representada en colecciones públicas y privadas, como el Centro de Arte Contemporáneo, del Museo Caraffa, del Museo Nacional de Bellas Artes, entre otras.

PRESENTACIÓN DE LIBRO MAC 2019 | DOMUS ORNAMENTAL | CAROLINA ANTONIADIS | PRESENTACIÓN CLAUDIO ONGARO HAELTERMAN

PRESENTACIÓN DE LIBRO MAC 2019

DOMUS ORNAMENTAL
de Carolina Antoniadis

Presentación cargo de
Claudio Ongaro Haelterman

Sábado 17 de agosto
16.30hs
Cabildo de Córdoba: Independencia 30. Centro. Cba.
Entrada libre y gratuita.

SOBRE LA PRESENTACIÓN
Queremos invitarlos a la presentación del libro “Domus Ornamental” de Carolina Antoniadis, en el marco del Mercado de Arte Contemporaneo 2019. El evento se realizará en el espacio Café en el Salón, en el Salón Rojo del Cabildo de nuestra ciudad.
El libro nos presenta un recorrido por la producción artística de Carolina Antodiadis desde sus inicios hasta la actualidad, presentado por un ensayo de Claudio Ongaro Haelterman, quien actualmente ha realizado la curaduría de la muestra “Una mirada situada o de cómo un domicilio deviene morada” en el Museo Genaro Pérez, que presenta características en íntima relación con los conceptos tratados en el libro.

SOBRE CAROLINA ANTONIADIS
Carolina Antoniadis nació en Rosario, provincia de Santa Fe, en 1961. Reside y trabaja en Buenos Aires. Su amor y pasión por el arte son herencia de su abuelo, Demetrio Antoniadis, pintor y paisajista que se radicó en Rosario al emigrar de Grecia que pronto integró el grupo de impresionistas del Litoral. En 1984, se recibió de profesora superior de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Durante el año 1987 fue integrante del Grupo de la X. De 1990 a 2001, trabajó en la cátedra de Skific Saltzman de la carrera de Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de Buenos Aires. Entre 1996 y 2003, fue profesora titular de la materia Pintura de tercer año en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Desde su primera exposición individual, en 1987, ha realizado decenas de muestras y ha participado en ferias y bienales internacionales como la Bienal de Cuenca (Ecuador), en 1998, y la Bienal de Panamá, en 2013. También formó parte del Workshop de la Fundación Progreso, auspiciado por la Fundación Rockefeller. Recibió la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1989 y 1999. Ese último año también ganó la Beca del Fondo Nacional de las Artes. En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. Ambos cuadros pertenecen a su última serie, Sonidos mentales (2017), y muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, tanto en la Argentina como en el exterior.

SOBRE CLAUDIO ONGARO HAELTERMAN
Claudio Ongaro Haelterman es Dr. en Estética (UNIFI), Master en Antropología Social (EAECS), Master en Semiótica (UNIBO). Secretario de Investigación y Posgrado (UNA). Docente e investigador en Posgrados UNA, UNTREF, INCAA-ENERC, UNIFI, UNIROMA. Director Editorial de la Colección Ensayos en Ciencias Sociales, Artes y Novela en América Latina de la Editorial Vallecchi de Florencia, Italia. Asesor Académico de UNPECC Unidad de Proyectos Especiales de Cultura para Cancillería del Ministerio de Relaciones Exteriores Comercio Internacional y Culto de la República Argentina, donde coordinó el Foro Latinoamericano Identidad e Integración. Miembro de la Fundación Internacional Leopoldo Marechal. Miembro AISI Asociación Italiana de Estudios Iberoamericanos. Curador y ensayista especializado en Arte Contemporáneo.

LA MIRADA SITUADA | TEXTO CURATORIAL DE LA CURADORA GENERAL MERCADO DE ARTE CONTEMPORÁNEO | CELINA HAFFORD

LA MIRADA SITUADA

El espacio cultural constituye un horizonte de comprensión,
forma parte de la existencia, incorpora la trama del lenguaje, la
noción de pertenencia y establece las formas y valores para
auto comprendernos desde una opción ética surgida de nuestra
propia autenticidad.
Rodolfo Kusch

Construir. Habitar. Morar.

Todo gesto humano inicia en la idea, en la intencionalidad de completar un propósito. La idea es el cimiento de una construcción que toma forma para dar sentido a aquello que fue pensado y proyectado. Podríamos creer que el habitar llega después, cuando la construcción se ha concluido y nos alistamos a impregnar el espacio con rasgos de identidad. Sin embargo, habitamos un espacio desde que concebimos la idea, lo construimos partiendo de una noción de morada, de detenerse, de permanecer, que nos antecede. Damos sentido al habitar en una relación deontológica que no puede entender aislados los medios del fin.

Es esa condición ética primaria la que determina nuestro modo de habitar, de ocupar un espacio, de reconocer nuestros pies plantados sobre un suelo. Cabe preguntarse si el suelo es sólo algo exterior, plantea Rodolfo Kusch. Si es un mapa trazado o un territorio vivo que se recorre hasta reconocer sus rasgos más profundos y auténticos.

Somos seres arrojados en un suelo, en un territorio que constituye nuestro paisaje cultural, nuestro domicilio existencial. Aquel que nos define en nuestras formas de entender, interpretar y expresar el mundo y que, por lo tanto, determina nuestros juicios y prejuicios, nuestros valores y valoraciones. Aún en tiempos globalizados e hiperconectados en los cuales el horizonte se mueve constantemente y se amplía así el territorio en el que se dan los procesos de circulación de sentido, la mirada propia se sigue ejerciendo desde un espacio situado. O, dicho en otros términos, en un espacio sitiado que limita las representaciones que nos hacemos del mundo que nos rodea y determina nuestras perspectivas y abordajes.

Pero no estamos solos. Formamos parte de un entramado de sentidos que, en una relación dialéctica, nos define y (re)definimos constantemente. La mirada situada es un posicionamiento ético y estético. Una invitación a un ejercicio de ciudadanía. La mirada contempla y completa. Vemos y somos mirados. Quien mira amplía el tamaño del mundo.

Escritorio-original-de-Rodolfo-Kusch

Arte. Mercado. Contextos.

Mercado de Arte Contemporáneo está celebrando su séptima edición. Nació en el intento de brindar un escenario de presentación y representación del hacer en torno al arte contemporáneo desde una perspectiva federal. Nos resistimos a pensar esta feria de arte desde la periferia. Nos reconocemos protagonistas en un territorio de sentidos en tensión, en constante construcción de un marco de referencia propio, en contacto con los centros hegemónicos del arte, proponiendo -simultáneamente- corrimientos hacia otros nuevos centros regionales posibles. Es un mirar que atiende a las metrópolis pero prioriza un acontecer que se da en otras geografías, se expresa con variadas tonadas, se referencia en diversas búsquedas e intereses.

Es esta noción de lo latinoamericano que nos interesa abordar: llevar a la conciencia el sentido profundo y la cualidad esencial de lo americano, no en términos folclóricos, sino como la irrupción de algo cotidiano que se da (y se muestra y se ve) de modos diferentes. Explorar, al menos en el ámbito del pensamiento, la posibilidad de nuevos cánones que permitan desafiar la mirada, volverla inquietante, modificando nuestra experiencia y enriqueciéndola. Ante la pregunta ¿qué es arte? proponemos profundizar ¿cuándo hay arte? y ¿cuáles son las metáforas con las que nuestros artistas nos desconciertan, nos incomodan, nos conmueven o nos dejan en estado de contemplación? ¿En qué momento sucede ese instante sagrado en que el hecho estético nos quita el aliento para devolvérnoslo siendo otros?

La actual edición de MAC 2019 plantea intencionalmente explorar un concepto en lugar de desarrollar ejes temáticos. LA MIRADA SITUADA busca reconocer a los diversos actores sociales que interactúan con el arte contemporáneo en el territorio cordobés y de su región ampliada, revelando la trama de omplejidades que lo presentan en su polisemia: artistas, coleccionistas, galeristas, instituciones legitimadoras -museos, crítica, prensa-, públicos cautivos y potenciales. LA MIRADA SITUADA intenta unir las partes, reconociendo las inquietudes y necesidades propias de cada colectivo, y poniendo en valor las diferentes formas de habitar, tanto el espacio vital de gestación y circulación del arte contemporáneo, como el transitorio que implica la feria-fiesta a la que estamos todos invitados, que se organiza durante varios meses y acontece durante cuatro días rituales.

El escenario es la feria, la réplica del tradicional mercado popular que se da en las plazas de los pueblos, cuyo propósito es la presentación y venta de los frutos de la tierra y la producción de las manos. Pero que se identifica con un sentido más profundo: el del espacio de reunión y encuentro, donde se da la palabra y se organiza un modo de estar, un rito de convivencia con los otros.

Juego. Símbolo. Fiesta.

Cuando hace siete años se inició este proceso germinal de Mercado de Arte Contemporáneo, no se avizoraba el crecimiento que podría alcanzar. El futuro siempre corresponde a la dimensión del deseo y de lo (im)posible. En un proceso de pequeños pasos, se convocó primero a galeristas, sumando año tras año y en este orden a: coleccionistas, artistas, a la academia y al arte en espacio público. Cada año acompañaron la gesta curadores que con su participación propusieron nuevos y ampliados rumbos a la feria. Cabe destacar que el nombre de cada uno de ellos, -reconocidos y prestigiosos referentes en sus respectivos ámbitos-, jerarquizó el acontecer de cada edición de MAC. Es que en todo intercambio del que formamos parte hay una condición de valoración inevitable e intrínseca, dice Braudillard. Los curadores ofrecen una lectura, una posibilidad de abordaje del acontecer del arte contemporáneo, y también un capital cultural y simbólico que referencian.

Incorporar a esta trama la perspectiva museológica implicó una profunda reflexión acerca del posicionamiento personal y profesional en torno al mercado del arte. Los museos, espacios que se pretenden neutrales, juegan un rol fundamental como institución legitimadora, pero también como espacios de democratización en la visibilización del acontecer artístico. Los museos, que ya todos sabemos, tienen una tradición vinculada al ejercicio de poder, se encuentran en un momento histórico de revisión crítica sobre los propios procesos y quehaceres. Los discursos y narrativas que antes tenían una dimensión unilateral y unívoca, se ponen en cuestión y en discusión para promover representaciones que incorporen nuevas perspectivas en la “voz propia” de los protagonistas. Todas estas transformaciones que está viviendo la institución museal están fuertemente vinculadas al museo como ágora, como campo de batalla de las ideas y los patrimonios, como lugar de encuentro para la circulación de sentidos. Es, en este sentido, garante del reconocimiento del Otro y de prácticas que propicien el bien común.

El museo comparte con la feria la selección y la presentación de manifestaciones materiales producidas por hombres y mujeres en contextos determinados. En ambos se consume arte, se ofrece una narrativa, se provoca el encuentro. Y el encuentro solo es posible cuando el otro llega e interactúa con aquello que le es ofrecido. No solo como acción contemplativa sino también como energía transformadora que puede generar hipertextos de análisis y ampliar los ámbitos de circulación simbólica que, en el caso de MAC, también referencia la producción de obras y el intercambio económico.

Desde aquí construimos MAC – LA MIRADA SITUADA. Incorporando a la trama de los actores sociales mencionados más arriba, la presencia del público como destinatario y protagonista de un evento ansiado en el ámbito cordobés. Así, en un guiño a los curadores que me antecedieron, y como gesto curatorial de esta edición: entiendo a cada una de las personas que transitan o habitan el domicilio de la feria como aquel visitante esperado para quien hemos servido la mesa, y cuya experiencia deseamos propicie nuevas apropiaciones culturales.

Hans-Georg Gadamer, en la preciosa obra La actualidad de lo bello, propone tres momentos centrales en torno a la obra de arte: el Juego, el Símbolo y la Fiesta, que reconoce como instancias independientes pero necesariamente vinculadas para alcanzar su fin. El momento de la acción creadora del artista (el juego), la materialidad de la obra que tiene entidad por sí misma (el símbolo) y la mirada del otro que en comunidad resignifica desde su lugar en el mundo cuando acontece el encuentro (la fiesta). La fiesta es celebración, en ella no solo no hay aislamiento, sino que todo está congregado.

CARTOGRAFÍA

Toda cartografía es una invitación a un territorio a recorrer. Se elabora en base a capas de información que superpuestas dan una referencia acabada. Mercado de Arte Contemporáneo representa un registro que, edición tras edición, dibuja un mapa en expansión. Al horizonte topográfico se suma el de las temporalidades transitadas que fueron complejizando y enriqueciendo la idea original.

Mercado de Arte Contemporáneo de Córdoba tiene una estructura de doble identidad. Por un lado, la feria propiamente dicha, con presentación de galerías y artistas, mostrando y determinando un panorama del quehacer regional en términos de mercado. Por otro, el desarrollo de zonas curadas con características de bienal en un intento de visibilizar ejercicios estéticos, acciones, producciones, publicaciones que también forman parte de esa escena del arte contemporáneo. No se trata de un ejercicio caprichoso. Por el contrario, responde a la naturaleza de una feria que se gesta desde el Estado municipal y que suma el apoyo y compromiso de muchos otros organismos públicos y privados.

Participan en esta edición más de 60 galerías presentes en Zona Bonino y Zona Crespo, expresando el compromiso federal de la feria, mientras fortalecen la escena y el mercado del arte en la región. Tal como lo acreditan los premios que acompañan este proceso: Premio Adquisición y Premio En Obra, que incorporan nuevas obras a los acervos del Museo Genaro Pérez y de colecciones privadas. Sin olvidar el Premio Argentino de Arte Público del Fondo Nacional de la Artes, que acompaña la producción de un proyecto que tiene como escenario el ámbito urbano y cotidiano.

Desde allí, en circuitos que nos permiten entrar y salir, volver a recorrer o regresar al punto de partida, se ordenan las zonas que expresan la diversidad:

Zona Liberada propone una curaduría con encargo de obras a estrenar durante la feria, que implicó la composición de parejas artísticas de distintas disciplinas promoviendo una relación de vínculos profesionales y estéticos entre los artistas de la región y un reconocimiento económico a los procesos creativos, y ya no sólo a los resultados premiados.

En salas sucesivas recorremos: Zona Editada, que se detiene en el libro, y concibe a la publicación como un objeto deseado que puede formar parte de una colección, mientras invita a demorarse en los detalles de diseño, papel, texturas, ilustraciones, vacíos. Zona Encuadre la completa con una selección de publicaciones de fotografía que explora la noción de centro y periferia, desde la mirada de su curadora: investigadora, antropóloga y coleccionista de imágenes espontáneas que el instinto rescata, cámara en mano, en las calles.

A continuación Zona Germinal, a la que se llega por varias vías, también por la de una retrospección íntima. Es un nuevo espacio pensado, curado y diseñado especialmente para los niños visitantes, que como dice su curadora “ven mucho y bien”. Junto a ellos el espacio destinado a Acciones de Mediación Artística, coordinado por profesionales de la UNC, en un proyecto de aproximación al arte contemporáneo destinado a todos los públicos, que se completa con la aplicación de recursos museológico-museográficos para optimizar la experiencia de circulación e interpretación de nuestros visitantes.

Esta edición da continuidad a Zona Red y al Programa NUTRE que, respectivamente, visibilizan a los artistas del interior de la provincia y acompañan el proyecto de primera exposición de jóvenes artistas. Vuelve a presentarse en el Cineclub Municipal un breve ciclo de películas argentinas generosamente cedidas por directores y distribuidores; a las que además se suman funciones vinculadas a la programación de Zona Germinal.

Zona Expandida es un nuevo proyecto que incorpora acciones en museos de la ciudad y la provincia, invitando a que el arte contemporáneo tensione poética o críticamente las exposiciones permanentes. Lo que nos ha permitido dar lugar a otras exposiciones organizadas por MAC y que de otro modo el ámbito del Cabildo Histórico no podía asumir, tales como las de docentes de la Facultad de Artes (UNC), las de residencias de artistas según convenio entre países, o las institucionales que promueven alianzas y expanden el mercado.

Un lugar protagónico ocupa Diálogo de colecciones, que se desarrolla en el Museo Genaro Pérez, y que materializa en una exposición la noción de “domicilio existencial” de Rodolfo Kusch que es el eje fundante del proyecto curatorial de MAC – LA MIRADA SITUADA.

Chile, en Frontera Abierta, es el país invitado presente en cada uno de los espacios referidos. En algunos participando con proyectos curatoriales propios. En otros como gesto de fraternidad y reconocimiento a la calidad de las producciones trasandinas en todas las disciplinas.

El Auditorio, foro de diálogo y debate, será hasta último momento un espacio en construcción. Nos encontramos allí, poniendo en palabras lo que el arte nos deja oculto y en vacilación.

Mercado de Arte Contemporáneo es un gesto y una gesta. Es un hacer comprometido y arduo, edificado profesional y afectivamente, que implicó para esta edición circunstancias coyunturales especiales que condicionaron el despliegue del deseo y la concreción de propuestas. Apelamos a la austeridad como impronta de responsabilidad. Entendemos, como expresa Aldous Huxley, que los medios por los cuales tratamos de realizar una cosa tienen por lo menos tanta importancia como los mismos fines que tratamos de lograr. En rigor, son en verdad más importantes que los fines.

A todos los muchos que hacen que MAC 2019 sea posible, mi reconocimiento y agradecimiento.

Celina Hafford

ENTREVISTA | CLAUDIO ONGARO HAELTERMAN | #MAC2019 | UNA MIRADA SITUADA O DE CÓMO UN DOMICILIO DEVIENE MORADA

Ya estamos trabajando en nuestra próxima inauguración. En esta oportunidad recibimos en el MGP, por tercer año consecutivo, el ciclo “Diálogo de Colecciones” del Mercado de Arte Contemporáneo 2019.
Compartimos con ustedes esta entrevista a Claudio Ongaro Haelterman, curador de la muestra “Una mirada situada o de cómo un domicilio deviene morada”, en donde nos comenta los lineamientos curatoriales a través de los cuales se vinculan los artistas, las colecciones invitadas, el curador y el museo.

Muy interesante su propuesta!

La muestra inaugura el próximo jueves 15 de agosto, a las 19:00hs, con entrada libre y gratuita.

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